Böhler & Orendt
DOOM SNOOZERS - Vorletzte Träume
Spreepark Art Space (Eierhäuschen / Spreepark)

13. Juli – 2. November 2025
Eröffnung: Sonntag, 13. Juli 2025, 11 Uhr

Mit DOOM SNOOZERS – Vorletzte Träume entwickeln Böhler & Orendt eine düster-komische Science-Fiction-Spekulation für den Spreepark Art Space. Die multimediale Installation verwebt bestehende und neue Arbeiten zu einem begehbaren Szenario traumartiger Bildwelten, in denen Vorvergangenheit, künftige Gegenwart und vergangene Zukunft aufeinandertreffen. DOOM SNOOZERS – zu Deutsch etwa „Untergangs-Schlummernde“ – ist ein gedankliches Zeitreise-Experiment: Was könnte die Menschheit und den Planeten künftig erwarten? Womöglich erscheinen Entwicklungen, die uns heute beunruhigen, aus der Rückschau vergleichsweise harmlos?

Spreepark Art Space 

Böhler & Orendt
DOOM SNOOZERS - Vorletzte Träume
Spreepark Art Space (Eierhäuschen / Spreepark)

13. Juli – 2. November 2025
Eröffnung: Sonntag, 13. Juli 2025, 11 Uhr

Mit DOOM SNOOZERS – Vorletzte Träume entwickeln Böhler & Orendt eine düster-komische Science-Fiction-Spekulation für den Spreepark Art Space. Die multimediale Installation verwebt bestehende und neue Arbeiten zu einem begehbaren Szenario traumartiger Bildwelten, in denen Vorvergangenheit, künftige Gegenwart und vergangene Zukunft aufeinandertreffen. DOOM SNOOZERS – zu Deutsch etwa „Untergangs-Schlummernde“ – ist ein gedankliches Zeitreise-Experiment: Was könnte die Menschheit und den Planeten künftig erwarten? Womöglich erscheinen Entwicklungen, die uns heute beunruhigen, aus der Rückschau vergleichsweise harmlos?

Spreepark Art Space 

NOME freut sich, anlässlich des Gallery Weekend Berlin 2025 UNCENSORED zu präsentieren, eine Einzelausstellung der in Berlin lebenden Künstlerin und Archivarin Danielle Brathwaite-Shirley und ihre erste Zusammenarbeit mit der Galerie. Brathwaite-Shirley ist bekannt für ihre immersiven und interaktiven Installationen, die Animation, Malerei, Klang und Performance verbinden. In ihrer Arbeit erforscht sie Identität und Fehlinterpretation durch das Erzeugen von Unbehagen und Konfrontation.

UNCENSORED zeigt eine neue Serie von Werken, die ehrliche, ungefilterte Emotionen einfangen, die wir oft zu sehr fürchten, um sie zu zeigen. Als Widerstand gegen die zunehmende Zensur zielt UNCENSORED darauf ab, einen Raum zu schaffen, der mit den Gesprächen interagiert, die wir aus der Öffentlichkeit verdrängt haben. Die Betrachter*innen werden mit ihren eigenen Überzeugungen konfrontiert und dazu angeregt, nicht nur zu hinterfragen, was sie denken, sondern auch warum. Jedes neue Werk provoziert unbequeme Dialoge, die wir lieber im Privaten führen würden, und malt mit der eigenen Unsicherheit, Angst, Wut und der Begierde des Publikums.

NOME freut sich, anlässlich des Gallery Weekend Berlin 2025 UNCENSORED zu präsentieren, eine Einzelausstellung der in Berlin lebenden Künstlerin und Archivarin Danielle Brathwaite-Shirley und ihre erste Zusammenarbeit mit der Galerie. Brathwaite-Shirley ist bekannt für ihre immersiven und interaktiven Installationen, die Animation, Malerei, Klang und Performance verbinden. In ihrer Arbeit erforscht sie Identität und Fehlinterpretation durch das Erzeugen von Unbehagen und Konfrontation.

UNCENSORED zeigt eine neue Serie von Werken, die ehrliche, ungefilterte Emotionen einfangen, die wir oft zu sehr fürchten, um sie zu zeigen. Als Widerstand gegen die zunehmende Zensur zielt UNCENSORED darauf ab, einen Raum zu schaffen, der mit den Gesprächen interagiert, die wir aus der Öffentlichkeit verdrängt haben. Die Betrachter*innen werden mit ihren eigenen Überzeugungen konfrontiert und dazu angeregt, nicht nur zu hinterfragen, was sie denken, sondern auch warum. Jedes neue Werk provoziert unbequeme Dialoge, die wir lieber im Privaten führen würden, und malt mit der eigenen Unsicherheit, Angst, Wut und der Begierde des Publikums.

Shadowily in different tongues
Agua Quemada (Kapitel 4)
ifa-Galerie Stuttgart
21. März 2025 – 13. Juli 2025
Eröffnung: 20. März 2025, 19 Uhr

Die Ausstellung bringt Künstler:innen und lokale Communities zusammen, die Widerstand leisten gegenüber gesellschaftlichen und politischen Prozessen, die die Erde und ihre Bewohner:innen an den Rand der Erschöpfung treiben. Die Stimmen aus unterschiedlichen Regionen setzen sich ein gegen die Ausbeutung von Land und Mensch - gegen exzessive Minentätigkeiten, die Vergiftung und Verschwendung von Wasser, und gegen Handlungen, die Lebensräume verändern und zerstören.

Mit Beiträgen von Lise Autogena & Joshua Portway, Minia Biabiani, Colectiva Milpa urbana, Capulli Tecalco (Angélica Palma, Fernando Palma), Keiko Kimoto & Gabriel Rossel Santillán, Susanne Kriemann, Crisanto Manzano, Karen Michelsen, Tina Modotti, Edith Morales, Panósmico, Naomi Rincón Gallardo, Tequiocalco, Bruno Varela, Mariana Yampolsky. Kuratiert von Bettina Korintenberg, Mauricio Marcín, Gabriel Rossell Santillán

Shadowily in different tongues ist der vierte und abschließendeTeil des einjährigen Programms Agua Quemada (Verbranntes Wasser) der ifa-Galerie Stuttgart, das sich von Juni 2024 bis Juli 2025 mit Themen wie diasporische Bewegungen, Erinnerung, Resistenz, Regeneration und Gemeinschaft sowie anzestrale Technologien und Wissensformen auseinandersetzt. Agua Quemada entsteht in Zusammenarbeit der sechs Kurator:innen Merv Espina, Oulimata Gueye, Paz Guevara, Bettina Korintenberg, Mauricio Marcín und Gabriel Rossell Santillán.

Shadowily in different tongues
Agua Quemada (Kapitel 4)
ifa-Galerie Stuttgart
21. März 2025 – 13. Juli 2025
Eröffnung: 20. März 2025, 19 Uhr

Die Ausstellung bringt Künstler:innen und lokale Communities zusammen, die Widerstand leisten gegenüber gesellschaftlichen und politischen Prozessen, die die Erde und ihre Bewohner:innen an den Rand der Erschöpfung treiben. Die Stimmen aus unterschiedlichen Regionen setzen sich ein gegen die Ausbeutung von Land und Mensch - gegen exzessive Minentätigkeiten, die Vergiftung und Verschwendung von Wasser, und gegen Handlungen, die Lebensräume verändern und zerstören.

Mit Beiträgen von Lise Autogena & Joshua Portway, Minia Biabiani, Colectiva Milpa urbana, Capulli Tecalco (Angélica Palma, Fernando Palma), Keiko Kimoto & Gabriel Rossel Santillán, Susanne Kriemann, Crisanto Manzano, Karen Michelsen, Tina Modotti, Edith Morales, Panósmico, Naomi Rincón Gallardo, Tequiocalco, Bruno Varela, Mariana Yampolsky. Kuratiert von Bettina Korintenberg, Mauricio Marcín, Gabriel Rossell Santillán

Shadowily in different tongues ist der vierte und abschließendeTeil des einjährigen Programms Agua Quemada (Verbranntes Wasser) der ifa-Galerie Stuttgart, das sich von Juni 2024 bis Juli 2025 mit Themen wie diasporische Bewegungen, Erinnerung, Resistenz, Regeneration und Gemeinschaft sowie anzestrale Technologien und Wissensformen auseinandersetzt. Agua Quemada entsteht in Zusammenarbeit der sechs Kurator:innen Merv Espina, Oulimata Gueye, Paz Guevara, Bettina Korintenberg, Mauricio Marcín und Gabriel Rossell Santillán.

NOME 
are we there yet?
Gruppenausstellung 
14. Februar – 12. April 2025
Eröffnung: 14. Februar 2025 | 18-21 Uhr

Vom 14. Februar bis 12. April 2025 präsentiert NOME die Gruppenausstellung are we there yet?,  die sich kritisch mit Themen wie Polizeigewalt, Masseninhaftierungen, Diskriminierung, Einwanderung und staatlicher Überwachung auseinandersetzt. 

Der Titel der Ausstellung geht auf eine Arbeit von Kameelah Janan Rasheed zurück, die sich in ihrer textbasierten Praxis häufig mit komplexen gesellschaftlichen Fragen beschäftigt. Wie viele ihrer Arbeiten hat auch are we there yet? mehrere Bedeutungsebenen und spricht sowohl einen Vorstoß in Richtung Gleichberechtigung an, verweist aber auch auf die eher im verborgenen passierende staatliche Gewalt. Die Ausstellung greift Rasheeds Frage auf, um die Verbreitung autoritärer Systeme in der heutigen Gesellschaft zu untersuchen.

NOME 
are we there yet?
Gruppenausstellung 
14. Februar – 12. April 2025
Eröffnung: 14. Februar 2025 | 18-21 Uhr

Vom 14. Februar bis 12. April 2025 präsentiert NOME die Gruppenausstellung are we there yet?,  die sich kritisch mit Themen wie Polizeigewalt, Masseninhaftierungen, Diskriminierung, Einwanderung und staatlicher Überwachung auseinandersetzt. 

Der Titel der Ausstellung geht auf eine Arbeit von Kameelah Janan Rasheed zurück, die sich in ihrer textbasierten Praxis häufig mit komplexen gesellschaftlichen Fragen beschäftigt. Wie viele ihrer Arbeiten hat auch are we there yet? mehrere Bedeutungsebenen und spricht sowohl einen Vorstoß in Richtung Gleichberechtigung an, verweist aber auch auf die eher im verborgenen passierende staatliche Gewalt. Die Ausstellung greift Rasheeds Frage auf, um die Verbreitung autoritärer Systeme in der heutigen Gesellschaft zu untersuchen.

Spreepark Art Space
Verborgenen Wirklichkeiten 
Künstlerische Erkundungen im Kollektiv
16. März bis 15. Juni 2025
Eröffnung: Sonntag, 16. März 2025, 11 Uhr

Mit Animal Architecture Collective (Studio Cardoso, Feral Partnerships, Jennifer Turpin), Imperfect Futures (Naadira Patel, Manijeh Verghese, Sarah de Villiers, Zen Marie, sowie externe Partnerinnen: Madeleine Amsler und Alice Clancy), MOTHS (Yujia Bian, Niel de Vries, Hanwen Zhang, Xiaolu Yan)

Vom 16. März bis 15. Juni präsentiert der Spreepark Art Space die Ausstellung Verborgene Wirklichkeiten. Künstlerische Erkundungen im Kollektiv im historischen Eierhäuschen. Die Ausstellung zeigt die Ergebnisse der ersten drei Residenzen, die der Spreepark Art Space seit 2024 an interdisziplinär arbeitende und internationale Künstler*innengruppen vergibt.

Spreepark Art Space (Eierhäuschen / Spreepark)

Spreepark Art Space
Verborgenen Wirklichkeiten 
Künstlerische Erkundungen im Kollektiv
16. März bis 15. Juni 2025
Eröffnung: Sonntag, 16. März 2025, 11 Uhr

Mit Animal Architecture Collective (Studio Cardoso, Feral Partnerships, Jennifer Turpin), Imperfect Futures (Naadira Patel, Manijeh Verghese, Sarah de Villiers, Zen Marie, sowie externe Partnerinnen: Madeleine Amsler und Alice Clancy), MOTHS (Yujia Bian, Niel de Vries, Hanwen Zhang, Xiaolu Yan)

Vom 16. März bis 15. Juni präsentiert der Spreepark Art Space die Ausstellung Verborgene Wirklichkeiten. Künstlerische Erkundungen im Kollektiv im historischen Eierhäuschen. Die Ausstellung zeigt die Ergebnisse der ersten drei Residenzen, die der Spreepark Art Space seit 2024 an interdisziplinär arbeitende und internationale Künstler*innengruppen vergibt.

Spreepark Art Space (Eierhäuschen / Spreepark)

PEAC Museum
Farbe im Fokus. Werke aus der Paul Ege Art Collection
6. April – 17. August 2025

Die Ausstellung beleuchtet die faszinierende Rolle der Farbe in der Kunst seit den 1970er Jahren bis heute. Zu sehen sind rund 30 Werke aus der Paul Ege Art Collection, darunter Gemälde, Installationen, Objekte und Grafiken, ergänzt durch Neuproduktionen von Künstler:innen aus der Sammlung sowie Leihgaben. Ausgangspunkt der Präsentation ist das Werk des Malers und Zeichners Frank Badur (*1944 in Oranienburg, lebt und arbeitet in Berlin und Finnland), der mit zahlreichen Arbeiten in der Sammlung vertreten ist.

                                       
Künstler:innen der Ausstellung: Josef Albers, Kirstin Arndt, Corey d’Augustine, Frank Badur, Rudolf de Crignis, Rupprecht Geiger, Marcia Hafif, Martina Klein, Imi Knoebel, Axel Lieber, Richard Long, Joseph Marioni, Cristina Ohlmer, Andrea Ostermeyer, Andreas von Ow, Winston Roeth, herman de vries.

PEAC Museum
Farbe im Fokus. Werke aus der Paul Ege Art Collection
6. April – 17. August 2025

Die Ausstellung beleuchtet die faszinierende Rolle der Farbe in der Kunst seit den 1970er Jahren bis heute. Zu sehen sind rund 30 Werke aus der Paul Ege Art Collection, darunter Gemälde, Installationen, Objekte und Grafiken, ergänzt durch Neuproduktionen von Künstler:innen aus der Sammlung sowie Leihgaben. Ausgangspunkt der Präsentation ist das Werk des Malers und Zeichners Frank Badur (*1944 in Oranienburg, lebt und arbeitet in Berlin und Finnland), der mit zahlreichen Arbeiten in der Sammlung vertreten ist.

                                       
Künstler:innen der Ausstellung: Josef Albers, Kirstin Arndt, Corey d’Augustine, Frank Badur, Rudolf de Crignis, Rupprecht Geiger, Marcia Hafif, Martina Klein, Imi Knoebel, Axel Lieber, Richard Long, Joseph Marioni, Cristina Ohlmer, Andrea Ostermeyer, Andreas von Ow, Winston Roeth, herman de vries.

NOME 
Paolo Cirio | Kommando 52
15. November 2024 – 1. Februar 2025
Eröffnung: Freitag, 15. November 2024, 18-21 Uhr

Vom 15. November 2024 bis 2. Februar 2025 präsentiert die Nome Galerie Kommando 52 , die dritte Einzelausstellung des italienischen Künstlers Paolo Cirio in der Galerie. Die Ausstellung zeigt Cirios medienübergreifendes Projekt Resurrect, das sich mit antimilitaristischen, antifaschistischen und antiimperialistischen Themen befasst, indem es kontroverse Figuren aus neokolonialen Kriegen mit Hilfe künstlicher Intelligenz reanimiert.

Die Serie zeigt Bob Denard, Siegfried Müller, Jean Schramme und Mike Hoare, vier historische Söldner aus Frankreich, Deutschland, Belgien und dem Vereinigten Königreich, die in den 1960er Jahren im Kongo aktiv waren. Das Projekt Resurrect erforscht diese Figuren anhand umfangreicher Recherchen als Mittel des experimentellen Geschichtenerzählens und als kreative Form des Antikriegsaktivismus. In den Deep-Fake-Videos sprechen die Protagonist*innen mit ihren Originalstimmen und teilen dabei durch künstliche Intelligenz erzeugte Reflexionen über ihr Leben und ihre Handlungen. Cirio verwendet Archivfotos und -videos, Biographien und von den Söldnern verfasste Texte, um diesen Figuren ein neues Leben als wiederbelebte, reuige Soldaten zu gebe

NOME 
Paolo Cirio | Kommando 52
15. November 2024 – 1. Februar 2025
Eröffnung: Freitag, 15. November 2024, 18-21 Uhr

Vom 15. November 2024 bis 2. Februar 2025 präsentiert die Nome Galerie Kommando 52 , die dritte Einzelausstellung des italienischen Künstlers Paolo Cirio in der Galerie. Die Ausstellung zeigt Cirios medienübergreifendes Projekt Resurrect, das sich mit antimilitaristischen, antifaschistischen und antiimperialistischen Themen befasst, indem es kontroverse Figuren aus neokolonialen Kriegen mit Hilfe künstlicher Intelligenz reanimiert.

Die Serie zeigt Bob Denard, Siegfried Müller, Jean Schramme und Mike Hoare, vier historische Söldner aus Frankreich, Deutschland, Belgien und dem Vereinigten Königreich, die in den 1960er Jahren im Kongo aktiv waren. Das Projekt Resurrect erforscht diese Figuren anhand umfangreicher Recherchen als Mittel des experimentellen Geschichtenerzählens und als kreative Form des Antikriegsaktivismus. In den Deep-Fake-Videos sprechen die Protagonist*innen mit ihren Originalstimmen und teilen dabei durch künstliche Intelligenz erzeugte Reflexionen über ihr Leben und ihre Handlungen. Cirio verwendet Archivfotos und -videos, Biographien und von den Söldnern verfasste Texte, um diesen Figuren ein neues Leben als wiederbelebte, reuige Soldaten zu gebe

(Re)Born from Volcanos
ifa-Galerie Stuttgart
15. November 2024 – 23. Februar 2025
Eröffnung: Donnerstag, 14. November 2024, 19 Uhr

Vulkane sind mächtige Wandler, die unseren Planeten verändern: Sie schaffen mit ihren kraftvollen Eruptionen neue Landmassen und Inseln, aber zerstören auch Land. (Re)born from Volcanos lädt dazu ein, die Welt jenseits der Geopolitik zu betrachten und zu erkunden, wie kulturelle, politische und spirituelle Praktiken mit den wiederkehrenden vulkanischen Zyklen von Geburt, Zerstörung und Wiederherstellung in Verbindung stehen. Die Ausstellung präsentiert Werke von 20 Künst-ler:innen, die, diese Themen in den Blick nehmen und daran erinnern, dass die Natur kein stabiler Hintergrund ist, son-dern sich ständig wandelt und sehr lebendig ist.

Das Projekt widmet sich Wissensformen, die aus den Auseinandersetzungen mit dem „Ring of Fire“ (Ring des Feuers), dem größten Vulkangürtel der Welt mit über 400 aktiven Vulkanen im Pazifik, entstehen. Es verbindet Orte, Leben und Erinnerungen zwischen Abya Yala (indigen für Amerika) und Asien; zwischen dem Rukapillan (indigen für Vulkan Villarrica) in Chile, über die Vulkane Ipala (Guatemala), Matlalcueitl (Mexiko), Tambora und Krakatoa (Indonesien), Rabaul (Papua-Neuguinea) bis hin zum Putauaki (Aetora/Neuseeland) und vielen anderen.

(Re)Born from Volcanos
ifa-Galerie Stuttgart
15. November 2024 – 23. Februar 2025
Eröffnung: Donnerstag, 14. November 2024, 19 Uhr

Vulkane sind mächtige Wandler, die unseren Planeten verändern: Sie schaffen mit ihren kraftvollen Eruptionen neue Landmassen und Inseln, aber zerstören auch Land. (Re)born from Volcanos lädt dazu ein, die Welt jenseits der Geopolitik zu betrachten und zu erkunden, wie kulturelle, politische und spirituelle Praktiken mit den wiederkehrenden vulkanischen Zyklen von Geburt, Zerstörung und Wiederherstellung in Verbindung stehen. Die Ausstellung präsentiert Werke von 20 Künst-ler:innen, die, diese Themen in den Blick nehmen und daran erinnern, dass die Natur kein stabiler Hintergrund ist, son-dern sich ständig wandelt und sehr lebendig ist.

Das Projekt widmet sich Wissensformen, die aus den Auseinandersetzungen mit dem „Ring of Fire“ (Ring des Feuers), dem größten Vulkangürtel der Welt mit über 400 aktiven Vulkanen im Pazifik, entstehen. Es verbindet Orte, Leben und Erinnerungen zwischen Abya Yala (indigen für Amerika) und Asien; zwischen dem Rukapillan (indigen für Vulkan Villarrica) in Chile, über die Vulkane Ipala (Guatemala), Matlalcueitl (Mexiko), Tambora und Krakatoa (Indonesien), Rabaul (Papua-Neuguinea) bis hin zum Putauaki (Aetora/Neuseeland) und vielen anderen.

Kunstszene/Ost – Biografien im Umbruch

Das Interviewprojekt Kunstszene/Ost – Biografien im Umbruch vermittelt anhand persönlicher Lebensgeschichten die komplexe Lebensrealität von Kunstschaffenden in der DDR bis nach der Wiedervereinigung. Die Interviews sind seit dem 3. Oktober auf der Website www.kunstszeneost.de online.  

Die Vorstellung, in der DDR sei vor allem Staatskunst oder Untergrundkunst entstanden, hält sich auch Jahrzehnte nach der Wiedervereinigung hartnäckig. Dass es durchaus Grautöne gab, die das Leben im Land und die Kunst vielstimmig machten, dokumentiert das Interviewprojekt Kunstszene/Ost – Biografien im Umbruch. Es versammelt 20 tiefgehende und sehr persönliche Interviews, die die Journalistinnen Sarah Alberti und Birgit Grimm begleitet vom Fotografen Thomas Kretschel mit Kunstschaffenden und bedeutenden, noch immer aktiven Akteur*innen der Kunstszene der DDR geführt haben. Die Interviewpartner*innen, darunter Strawalde, Via Lewandowsky, Christine Rink oder Annette Schröter, erläutern darin ihre individuellen Lebenswege, Erfahrungen und Perspektiven auf das Leben in der DDR und im wiedervereinigten Deutschland.

Kunstszene/Ost – Biografien im Umbruch

Das Interviewprojekt Kunstszene/Ost – Biografien im Umbruch vermittelt anhand persönlicher Lebensgeschichten die komplexe Lebensrealität von Kunstschaffenden in der DDR bis nach der Wiedervereinigung. Die Interviews sind seit dem 3. Oktober auf der Website www.kunstszeneost.de online.  

Die Vorstellung, in der DDR sei vor allem Staatskunst oder Untergrundkunst entstanden, hält sich auch Jahrzehnte nach der Wiedervereinigung hartnäckig. Dass es durchaus Grautöne gab, die das Leben im Land und die Kunst vielstimmig machten, dokumentiert das Interviewprojekt Kunstszene/Ost – Biografien im Umbruch. Es versammelt 20 tiefgehende und sehr persönliche Interviews, die die Journalistinnen Sarah Alberti und Birgit Grimm begleitet vom Fotografen Thomas Kretschel mit Kunstschaffenden und bedeutenden, noch immer aktiven Akteur*innen der Kunstszene der DDR geführt haben. Die Interviewpartner*innen, darunter Strawalde, Via Lewandowsky, Christine Rink oder Annette Schröter, erläutern darin ihre individuellen Lebenswege, Erfahrungen und Perspektiven auf das Leben in der DDR und im wiedervereinigten Deutschland.

Symposium des Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie der Gegenwart in Kooperation mit dem ifa – Institut für Auslandsbeziehungen

Der Westen musste nicht im Osten ankommen!
Die Folgen der Transformation nach 1989/90 für die Kunstwelt
Freitag 8. und Samstag 9. November 2024

Protagonist*innen aus verschiedenen Bereichen, Kunsthochschulen, Kunstmarkt, Förderstrukturen, Museen und künstlerischer Praxis, präsentieren und diskutieren zum 35. Jahrestag der Maueröffnung vor einem breiten Publikum die Folgen der Transformation nach 1989/90 für die Kunstwelt. Aus künstlerischer Perspektive widmet sich diesem Thema Andrea Pichls Einzelausstellung „Wertewirtschaft“, die am Donnerstag 7. November 2024 im Hamburger Bahnhof eröffnet.

Das Symposium wird von Till Fellrath, Co-Direktor Hamburger Bahnhof, Gabriele Knapstein, Stellvertretende Direktorin und Sammlungsleiterin am Hamburger Bahnhof und Sven Beckstette, wissenschaftlicher Mitarbeiter Hamburger Bahnhof mit der freien Kunsthistorikerin und Journalistin Sarah Alberti konzipiert.

zum Programm

Symposium des Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie der Gegenwart in Kooperation mit dem ifa – Institut für Auslandsbeziehungen

Der Westen musste nicht im Osten ankommen!
Die Folgen der Transformation nach 1989/90 für die Kunstwelt
Freitag 8. und Samstag 9. November 2024

Protagonist*innen aus verschiedenen Bereichen, Kunsthochschulen, Kunstmarkt, Förderstrukturen, Museen und künstlerischer Praxis, präsentieren und diskutieren zum 35. Jahrestag der Maueröffnung vor einem breiten Publikum die Folgen der Transformation nach 1989/90 für die Kunstwelt. Aus künstlerischer Perspektive widmet sich diesem Thema Andrea Pichls Einzelausstellung „Wertewirtschaft“, die am Donnerstag 7. November 2024 im Hamburger Bahnhof eröffnet.

Das Symposium wird von Till Fellrath, Co-Direktor Hamburger Bahnhof, Gabriele Knapstein, Stellvertretende Direktorin und Sammlungsleiterin am Hamburger Bahnhof und Sven Beckstette, wissenschaftlicher Mitarbeiter Hamburger Bahnhof mit der freien Kunsthistorikerin und Journalistin Sarah Alberti konzipiert.

zum Programm

Artist in Residence Reisenberg
Fabian Knecht: Isolation
30. August – 3. November 2024

Eröffnung: Freitag, 30.8.2024, 16 – 21 Uhr, Samstag, 31.8.2024, 16 - 21 Uhr

Am 30. August 2024 eröffnet das erste Ausstellungsprojekt der Artist in Residence Reisenberg mit der Installation Isolation (Felswand) von Fabian Knecht. Ausgerichtet wird das neue, von nun an jährlich stattfindende Programm für Künstler*innen von Kathrin und Bernhard Schluga. Das Areal der Residency verschreibt sich der Zusammenführung von zeitgenössischer Kunst, Naturerfahrung, Erholung und Konzentration. Es befindet sich auf einem Bauernhof von 1765, der von 700.000 qm Wald und Wiesen umgeben ist und allein auf einer Bergkuppe in den Kärntener Bergen steht. In diesem Wald entsteht bis zu sieben Metern über dem Boden an einer Felswand die neuste und bisher aufwendigste Version der Werkserie Isolation, mit der Fabian Knecht das Verhältnis von Ausstellungsraum und Kunstwerk neu definiert.

Öffnungszeiten für September, Oktober und November 2024. Dienstag und Sonntag, jeweils 16 - 19 Uhr und nach persönlicher Terminabsprache. Um Voranmeldung unter info@i-am-escape.com wird gebeten.

Artist in Residence Reisenberg
Fabian Knecht: Isolation
30. August – 3. November 2024

Eröffnung: Freitag, 30.8.2024, 16 – 21 Uhr, Samstag, 31.8.2024, 16 - 21 Uhr

Am 30. August 2024 eröffnet das erste Ausstellungsprojekt der Artist in Residence Reisenberg mit der Installation Isolation (Felswand) von Fabian Knecht. Ausgerichtet wird das neue, von nun an jährlich stattfindende Programm für Künstler*innen von Kathrin und Bernhard Schluga. Das Areal der Residency verschreibt sich der Zusammenführung von zeitgenössischer Kunst, Naturerfahrung, Erholung und Konzentration. Es befindet sich auf einem Bauernhof von 1765, der von 700.000 qm Wald und Wiesen umgeben ist und allein auf einer Bergkuppe in den Kärntener Bergen steht. In diesem Wald entsteht bis zu sieben Metern über dem Boden an einer Felswand die neuste und bisher aufwendigste Version der Werkserie Isolation, mit der Fabian Knecht das Verhältnis von Ausstellungsraum und Kunstwerk neu definiert.

Öffnungszeiten für September, Oktober und November 2024. Dienstag und Sonntag, jeweils 16 - 19 Uhr und nach persönlicher Terminabsprache. Um Voranmeldung unter info@i-am-escape.com wird gebeten.

In der Gruppenausstellung The Conflictive and Contradictory beschäftigen sich fünf junge Künstler:innen aus kolonial geprägten Kontexten damit, welche Konflikte oder auch Brücken entstehen, wenn unterschiedliche Realitäten aufeinandertreffen. Aus der Beschäftigung mit dem Zusammenhang von Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft, die aufeinander einwirken, habe die Künstler:innen sich entschlossen, eine „gegensätzliche und widersprüchliche Vielfalt“ zurückzufordern, um den universalisierenden und hegemonialen Blick herauszufordern, der ihre Realitäten historisch entworfen hatte. Sie beziehen sich dabei auf den Begriff des „abigarrado“, der auf die Aymara-Soziologin und Aktivistin Silvia Rivera Cusicanqui zurückgeht und die entstandenen Arbeiten zeigen vielfältige, dynamische und spannungsvolle Perspektiven. Sie öffnen in einer andauernden Erkundung die narrativen Stränge von Geschichte und verknüpfen sie neu, der Annahme folgend, dass einander widersprechende Wahrheiten aus dem Zusammenprallen von Widersprüchen entstehen können. The Conflictive and Contradictory ist eine Einladung zu einem tieferen Verständnis einer sich wandelnden Welt.

Kuratorisches Team: Oulimata Gueye, Bettina Korintenberg, Gabriel Rossell Santillán, Thomas Charil mit den Künstler:innen

In der Gruppenausstellung The Conflictive and Contradictory beschäftigen sich fünf junge Künstler:innen aus kolonial geprägten Kontexten damit, welche Konflikte oder auch Brücken entstehen, wenn unterschiedliche Realitäten aufeinandertreffen. Aus der Beschäftigung mit dem Zusammenhang von Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft, die aufeinander einwirken, habe die Künstler:innen sich entschlossen, eine „gegensätzliche und widersprüchliche Vielfalt“ zurückzufordern, um den universalisierenden und hegemonialen Blick herauszufordern, der ihre Realitäten historisch entworfen hatte. Sie beziehen sich dabei auf den Begriff des „abigarrado“, der auf die Aymara-Soziologin und Aktivistin Silvia Rivera Cusicanqui zurückgeht und die entstandenen Arbeiten zeigen vielfältige, dynamische und spannungsvolle Perspektiven. Sie öffnen in einer andauernden Erkundung die narrativen Stränge von Geschichte und verknüpfen sie neu, der Annahme folgend, dass einander widersprechende Wahrheiten aus dem Zusammenprallen von Widersprüchen entstehen können. The Conflictive and Contradictory ist eine Einladung zu einem tieferen Verständnis einer sich wandelnden Welt.

Kuratorisches Team: Oulimata Gueye, Bettina Korintenberg, Gabriel Rossell Santillán, Thomas Charil mit den Künstler:innen

Deutscher Jugendfotopreis 2024
Ausstellung der Preisträger*innen
im NRW-Forum
Eröffnung: 13. September, ab 18 Uhr 
Preisverleihung: 14. September (nur für geladene Gäst:innen)
14. September – 6. Oktober 2024 

Deutscher Jugendfotopreis 2024
Ausstellung der Preisträger*innen
im NRW-Forum
Eröffnung: 13. September, ab 18 Uhr 
Preisverleihung: 14. September (nur für geladene Gäst:innen)
14. September – 6. Oktober 2024 

Mitte Museum

Normen und ungeschriebene Verhaltensregeln begegnen und leiten uns täglich im privaten und öffentlichen Leben: in Gesprächen und politischen Debatten, in der Kleidung oder beim Einkauf von speziell zertifizierten Lebensmitteln wie halal, koscher oder vegan.

Die Ausstellung Der Glaube fährt mit der Straßenbahn lädt dazu ein, Regeln und Konventionen, die in religiösen und nicht-religiösen Kontexten eine Rolle spielen, zu reflektieren: Bedeutet religiöser Glaube zwangsläufig eine Einschränkung der Freiheit des Einzelnen? Wodurch werden religiöse und säkulare Überzeugungen im Alltag sichtbar?

Anhand von Alltagsgegenständen blickt die Ausstellung auf Regeln und Konventionen in den monotheistischen Religionen Judentum, Christentum und Islam sowie auf säkulare Überzeugungen.

Mitte Museum

Normen und ungeschriebene Verhaltensregeln begegnen und leiten uns täglich im privaten und öffentlichen Leben: in Gesprächen und politischen Debatten, in der Kleidung oder beim Einkauf von speziell zertifizierten Lebensmitteln wie halal, koscher oder vegan.

Die Ausstellung Der Glaube fährt mit der Straßenbahn lädt dazu ein, Regeln und Konventionen, die in religiösen und nicht-religiösen Kontexten eine Rolle spielen, zu reflektieren: Bedeutet religiöser Glaube zwangsläufig eine Einschränkung der Freiheit des Einzelnen? Wodurch werden religiöse und säkulare Überzeugungen im Alltag sichtbar?

Anhand von Alltagsgegenständen blickt die Ausstellung auf Regeln und Konventionen in den monotheistischen Religionen Judentum, Christentum und Islam sowie auf säkulare Überzeugungen.

TROPEZ
SWARM
1. Juni – 1. September 2024
Eröffnung: 1. Juni 2024, 14-18 Uhr (Einlass bis 17 Uhr)
Sommerbad Humboldthain

Kunst im Freibad: Das Tropez – Raum für Kunst im Sommerbad Humboldthain, startet am 1. Juni mit seinem dreimonatigen Ausstellungs- und Performanceprogramm in die neue Saison. Die Gruppenausstellung SWARM zeigt Werke von zehn Künstler*innen, die teilweise zum ersten Mal in Berlin oder Deutschland gezeigt werden. In den Arbeiten, die für die Ausstellung entstanden sind, erforschen sie wie die Intelligenz der Gemeinschaft unseren Alltag prägt. Schwarmintelligenz tritt nicht nur als aktuell omnipräsente KI in unser Leben: Sie begegnet uns seit jeher, etwa als Sprache, Ideologie oder in der Tierwelt Doch sind wir uns in täglichen Abläufen weder der kollektiven Intelligenz bewusst noch der überholten Strukturen, die wir reproduzieren, wenn wir vermeintlich individuelle Entscheidungen treffen.  

Die Eröffnung findet im Rahmen des Project Space Festival Berlin 2024 statt. 

TROPEZ
SWARM
1. Juni – 1. September 2024
Eröffnung: 1. Juni 2024, 14-18 Uhr (Einlass bis 17 Uhr)
Sommerbad Humboldthain

Kunst im Freibad: Das Tropez – Raum für Kunst im Sommerbad Humboldthain, startet am 1. Juni mit seinem dreimonatigen Ausstellungs- und Performanceprogramm in die neue Saison. Die Gruppenausstellung SWARM zeigt Werke von zehn Künstler*innen, die teilweise zum ersten Mal in Berlin oder Deutschland gezeigt werden. In den Arbeiten, die für die Ausstellung entstanden sind, erforschen sie wie die Intelligenz der Gemeinschaft unseren Alltag prägt. Schwarmintelligenz tritt nicht nur als aktuell omnipräsente KI in unser Leben: Sie begegnet uns seit jeher, etwa als Sprache, Ideologie oder in der Tierwelt Doch sind wir uns in täglichen Abläufen weder der kollektiven Intelligenz bewusst noch der überholten Strukturen, die wir reproduzieren, wenn wir vermeintlich individuelle Entscheidungen treffen.  

Die Eröffnung findet im Rahmen des Project Space Festival Berlin 2024 statt. 

Live Stream
mit Patricia L. Boyd, Jason Hirata, Nina Könnemann, Michael E. Smith und Matt Welch
25. April bis 27. Juli 2024
Eröffnung: 24. April 2024, 18 bis 22 Uhr

Indem sie Video und Film aus ihren narrativen Angeln heben, verfolgen die Arbeiten in der Gruppenausstellung Live Stream ein abstraktes Verständnis von Bewegtbild, das die Aufmerksamkeit auf das Materielle des Mediums lenkt. Die Künstlerinnen und Künstler wurden eingeladen, ihre Arbeiten als skulpturalen Kommentar auf die Materialität des Ausstellungsraums zu inszenieren, und entwickelten daraufhin ortsspezifische Aktualisierungen bereits bestehender Werke. Im dialogischen Zugang zum kühlen, gleichzeitig höchst aufgeladenen Ausstellungsraum von Fluentum und seinen spezifischen Möglichkeiten und Bedingungen erzeugen sie körperliche Begegnungen.

Live Stream eröffnet parallel zum Gallery Weekend Berlin.

Live Stream
mit Patricia L. Boyd, Jason Hirata, Nina Könnemann, Michael E. Smith und Matt Welch
25. April bis 27. Juli 2024
Eröffnung: 24. April 2024, 18 bis 22 Uhr

Indem sie Video und Film aus ihren narrativen Angeln heben, verfolgen die Arbeiten in der Gruppenausstellung Live Stream ein abstraktes Verständnis von Bewegtbild, das die Aufmerksamkeit auf das Materielle des Mediums lenkt. Die Künstlerinnen und Künstler wurden eingeladen, ihre Arbeiten als skulpturalen Kommentar auf die Materialität des Ausstellungsraums zu inszenieren, und entwickelten daraufhin ortsspezifische Aktualisierungen bereits bestehender Werke. Im dialogischen Zugang zum kühlen, gleichzeitig höchst aufgeladenen Ausstellungsraum von Fluentum und seinen spezifischen Möglichkeiten und Bedingungen erzeugen sie körperliche Begegnungen.

Live Stream eröffnet parallel zum Gallery Weekend Berlin.

School of Casablanca greift die innovativen Ansätze der Kunsthochschule Casablanca aus den 1960er Jahren auf und beleuchtet einen entscheidenden Wendepunkt in der marokkanischen Kunstgeschichte nach der Unabhängigkeit von 1956. In dieser Zeit entwickelte Casablanca ein völlig neues Selbstverständnis und brach radikal mit Traditionen. Eine tragende Rolle spielte bei dieser Entwicklung die Kunsthochschule Casablanca mit ihren modernen Ansätzen, künstlerischen Ideen und pädagogischen Methoden. Das Kooperationsprojekt School of Casablanca knüpft an die Ideen, Traditionen und Fragestellungen der Casablanca Art School an und verankert sie im Heute und im zeitgenössischen Denken. Im November 2023 gab es eine Ausstellung in Casablanca an fünf Orten. Mit der Ausstellung in der ifa-Galerie Berlin wird das Konzept und Projekt nach Berlin zurückgespielt. Gezeigt werden aktuelle künstlerische Werke im Dialog mit Archivmaterialien.

Mit Beiträgen von Bik Van der Pol, Céline Condorelli, Fatima-Zahra Lakrissa und Gilles Aubry, Manuel Raeder, Marion von Osten, Peter Spillmann, Abdeslam Ziou Ziou mit Fatine Arafati, Sophia Attigui, Grocco-Trick 54 und Nassim Azarzar

Kuratoren:innen: Salma Lahlou, unabhängige Kuratorin und Gründerin von ThinkArt, Casablanca; Krist Gruijthuijsen, Direktor des KW Institute for Contemporary Art, Berlin; und Inka Gressel, Co-Direktorin der ifa-Galerie Berlin

ifa-Galerie Berlin 
www.schoolofcasablanca.com

School of Casablanca greift die innovativen Ansätze der Kunsthochschule Casablanca aus den 1960er Jahren auf und beleuchtet einen entscheidenden Wendepunkt in der marokkanischen Kunstgeschichte nach der Unabhängigkeit von 1956. In dieser Zeit entwickelte Casablanca ein völlig neues Selbstverständnis und brach radikal mit Traditionen. Eine tragende Rolle spielte bei dieser Entwicklung die Kunsthochschule Casablanca mit ihren modernen Ansätzen, künstlerischen Ideen und pädagogischen Methoden. Das Kooperationsprojekt School of Casablanca knüpft an die Ideen, Traditionen und Fragestellungen der Casablanca Art School an und verankert sie im Heute und im zeitgenössischen Denken. Im November 2023 gab es eine Ausstellung in Casablanca an fünf Orten. Mit der Ausstellung in der ifa-Galerie Berlin wird das Konzept und Projekt nach Berlin zurückgespielt. Gezeigt werden aktuelle künstlerische Werke im Dialog mit Archivmaterialien.

Mit Beiträgen von Bik Van der Pol, Céline Condorelli, Fatima-Zahra Lakrissa und Gilles Aubry, Manuel Raeder, Marion von Osten, Peter Spillmann, Abdeslam Ziou Ziou mit Fatine Arafati, Sophia Attigui, Grocco-Trick 54 und Nassim Azarzar

Kuratoren:innen: Salma Lahlou, unabhängige Kuratorin und Gründerin von ThinkArt, Casablanca; Krist Gruijthuijsen, Direktor des KW Institute for Contemporary Art, Berlin; und Inka Gressel, Co-Direktorin der ifa-Galerie Berlin

ifa-Galerie Berlin 
www.schoolofcasablanca.com

Was geschieht, wenn Klänge aus der Vergangenheit die Gegenwart berühren? Dieser Frage widmet sich die ifa-Galerie Stuttgart mit dem Projekt Resonaciones. Für die Präsentation in der ifa-Galerie Stuttgart haben die beiden chilenischen Künstlerinnen Nicole L'Huillier und Francisca Gili Pfeifgefäße der Moche-Kultur aus den Anden wieder zum Klingen gebracht, die sich im Bestand des Linden-Museums befinden. In der Moche-Kultur spielten Klang und Töne eine wichtige Rolle und die beiden Künstlerinnen verbinden die jahrtausendealte Technologie der Pfeifgefäße aus den Anden mit heutigen Technologien wie der Künstlichen Intelligenz (KI).

Das Projekt will einen Impuls geben, Fragen über die koloniale Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft neu zu stellen.

Was geschieht, wenn Klänge aus der Vergangenheit die Gegenwart berühren? Dieser Frage widmet sich die ifa-Galerie Stuttgart mit dem Projekt Resonaciones. Für die Präsentation in der ifa-Galerie Stuttgart haben die beiden chilenischen Künstlerinnen Nicole L'Huillier und Francisca Gili Pfeifgefäße der Moche-Kultur aus den Anden wieder zum Klingen gebracht, die sich im Bestand des Linden-Museums befinden. In der Moche-Kultur spielten Klang und Töne eine wichtige Rolle und die beiden Künstlerinnen verbinden die jahrtausendealte Technologie der Pfeifgefäße aus den Anden mit heutigen Technologien wie der Künstlichen Intelligenz (KI).

Das Projekt will einen Impuls geben, Fragen über die koloniale Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft neu zu stellen.

Die für ihr interdisziplinäres Werk bekannte brasilianische Künstlerin und Forscherin Camila Sposati zeigt in der ifa-Galerie Berlin den zweiten Teil ihrer ersten Einzelausstellung in Deutschland. Der erste Teil wurde im Mai in der ifa-Galerie Stuttgart gezeigt. Die Ausstellung stellt eine Reise in die komplexen Zusammenhänge von Klang, Natur und die symbiotischen Verflechtungen von Kultur, Geschichte, Wissenschaft und Politik dar.

Die Ausstellung besteht aus 15 Exponaten, die aus Sposatis Recherchen in verschiedenen Regionen und Kulturen hervorgegangen sind. Eine der faszinierenden Quellen, die Sposatis Arbeiten als Inspiration dienen, ist das Anatomische Theater und die elementare Erfahrung des Sezierens von Körpern. Die Präsentation selbst nimmt die Form einer anatomischen Sektion an, indem sie Geschichte, Materialien und elementare Kräfte untersucht und freilegt.

Grundlegend für Sposatis künstlerische Philosophie ist die zwingende Forderung nach einem Paradigmenwechsel in der Wahrnehmung von Objekten, insbesondere wenn sie ethnografisch bedeutend sind.

Die für ihr interdisziplinäres Werk bekannte brasilianische Künstlerin und Forscherin Camila Sposati zeigt in der ifa-Galerie Berlin den zweiten Teil ihrer ersten Einzelausstellung in Deutschland. Der erste Teil wurde im Mai in der ifa-Galerie Stuttgart gezeigt. Die Ausstellung stellt eine Reise in die komplexen Zusammenhänge von Klang, Natur und die symbiotischen Verflechtungen von Kultur, Geschichte, Wissenschaft und Politik dar.

Die Ausstellung besteht aus 15 Exponaten, die aus Sposatis Recherchen in verschiedenen Regionen und Kulturen hervorgegangen sind. Eine der faszinierenden Quellen, die Sposatis Arbeiten als Inspiration dienen, ist das Anatomische Theater und die elementare Erfahrung des Sezierens von Körpern. Die Präsentation selbst nimmt die Form einer anatomischen Sektion an, indem sie Geschichte, Materialien und elementare Kräfte untersucht und freilegt.

Grundlegend für Sposatis künstlerische Philosophie ist die zwingende Forderung nach einem Paradigmenwechsel in der Wahrnehmung von Objekten, insbesondere wenn sie ethnografisch bedeutend sind.